Hommage an die weiblichen Genies, Manuel Terán
FRAUEN DER KUNST IN SEINEN AUGEN
„Das Lachen machte uns unbesiegbar. Nicht wie jene, die immer gewinnen, sondern wie jene, die niemals aufgeben.“ (Frida Kahlo)
Es ist erfreulich und lobenswert, dass ein männlicher Maler in seinem Werk die Bedeutung der Frauen in der Kunst hervorhebt und eine großzügige Reihe von ihnen zeigt: Malerinnen aus verschiedenen Epochen und Stilrichtungen. Die Ausstellung heißt „Tributo a las Genias“. Das Wort „genia“, die weibliche Form von „genio“ (Genie), steht nicht im Wörterbuch der Königlichen Spanischen Akademie, aber vielleicht gelingt es den Verfechterinnen einer geschlechtergerechten Sprache, es dort aufzunehmen. Semantik ist gewiss nicht naiv oder harmlos, im Gegenteil. Der Titel spricht von Tribut und nicht von Hommage, was üblicher und feierlicher wäre. „Tribut“ bedeutet laut dem Wörterbuch der Akademie die „Verpflichtung, die für die Nutzung oder den Genuss von etwas auferlegt wird“. Es ist eine Form der Anerkennung, der Ehrerbietung des Malers für den Genuss des künstlerischen Schaffens dieser Frauen.
Die Haltung des Malers widerspricht jenem Spruch, der sogar im Internet wiederholt wird und auf eine ironische Bemerkung Simone de Beauvoirs zurückgeht, also in genau entgegengesetztem Sinn: Es gibt Frauen, die verrückt sind, und Frauen mit Talent, aber keine hat jenen Wahnsinn des Talents, den man Genie nennt. Eine verachtenswerte Behauptung.
Terán sagt uns, dass er sich der malerischen Arbeit dieser Damen, Meisterinnen der Kunst, verpflichtet fühlt, ebenso wie den männlichen Künstlern, denen er zuvor die Ausstellung „Tributo a los Genios“ gewidmet hatte, die im selben Jahr 2021 in der Stiftung Antonio Saura, Casa Zavala in Cuenca, zu sehen war. Vergessen wir nicht, dass jeder Künstler, der etwas auf sich hält, in der Tradition wurzelt, die bis zu den Höhlen von Altamira oder Lascaux zurückreicht, denn alle gute Kunst beruht auf der vorherigen Entdeckung der großen Meister – und Meisterinnen, wenn wir der inklusiven Sprache folgen –; sonst wäre man ein naiver Künstler. „Wo keine Tradition ist, ist Plagiat“, sagte der verehrte Gelehrte und Kunstkritiker Eugenio d’Ors mit Nachdruck und Witz.
Ich ahne, dass Terán nach der Ausstellung „Tributo a los Genios“ – in der mit der Japanerin Kusama nur eine Frau vertreten war, neben großen Namen und bekennenden Vorbildern des chilenischen Künstlers wie Picasso, Rothko, Banksy, Basquiat, Dubuffet, Fontana, Freud, Indiana, Johns, Magritte, Matta, Pollock oder Vermeer – sich vielleicht den Frauen gegenüber in der Schuld fühlte, den Künstlerinnen, die es auf der Welt gegeben hat und die oft durch die schlichte Dynamik einer männlich geprägten Gesellschaft übergangen wurden, die sogar direkt oder indirekt die Vorstellung prägte, von Frauen geschaffene Kunst sei minderwertig oder zweitrangig. Das war und ist nicht so, wenn man der Kunst von Frauen im Lauf der Jahrhunderte auch nur ein wenig Aufmerksamkeit schenkt, auch wenn sie sich mitunter hinter männlichen Pseudonymen verstecken musste.
Erinnern wir uns etwa daran, wie Großbritannien, ein Land reich an Aquarellmalern, heute bei Antiquitätenhändlern und auf Flohmärkten die schönen Aquarelle würdigt, die viele Frauen in der Abgeschiedenheit ihres Wohnzimmers malten, während sie den Haushalt führten und ihre Kinder versorgten. Ihnen fehlte „ein Zimmer für sich allein“, wie Virginia Woolf sagte. Manche signierten, andere nicht; die meisten wagten nicht auszustellen, weil die Männer es nicht erlaubten oder weil die Gesellschaft, in der sie lebten, es nicht zuließ. Ihr künstlerisches Werk blieb, signiert oder nicht, aber mit klarer künstlerischer Berufung und unbestreitbarem ästhetischem Wert. Auch das prägte Virginia Woolf: Hinter vielen anonymen Werken verbirgt sich der Name einer Frau.
Teráns Bilder zeigen die Gesichter oder die persönlichen und malerischen Attribute von Georgia O’Keeffe, Frida Kahlo, Tamara de Lempicka, María Blanchard, Ángeles Santos, Yayoi Kusama, Mary Cassatt, Louise Bourgeois, Hilma af Klint, Sonia Delaunay, Maruja Mallo, Remedios Varo … Die Reihe könnte erlesener nicht sein, jede dieser Frauen mit ihren eigenen Merkmalen. Man bedenke, dass der Künstler sich ihnen nicht zufällig zuwendet, sondern weil ihr wertvolles, strahlendes und einzigartiges Werk seine künstlerische Aufmerksamkeit, sein Malerauge, auf sich gezogen hat.
Ich will Teráns Wertschätzung dieser Künstlerinnen nicht wörtlich wiedergeben, aber da sind sie: Georgia O’Keeffe wegen ihres spektakulären Maßstabwechsels, vor allem bei den Blumen; Frida Kahlo wegen ihrer besonderen Ikonografie von Krankheit und Schmerz; Tamara de Lempicka wegen ihrer wunderbaren Art-déco- und modernistischen Sprache; die gebeugte María Blanchard – „la petite Marie“, wie Picasso und andere Avantgardisten sie nannten – wegen der besonderen Zärtlichkeit ihres Kubismus; Ángeles Santos, Malerin und Grafikerin, wegen ihrer eigenen Zeichnung und Sprache der Vierziger- und Fünfzigerjahre mit surrealistischen Anklängen in ihren ersten Bildern; Mary Cassatt, eine mütterliche Interpretin des Impressionismus; Maruja Mallo aus der Generation von 27 mit ihren eigenwilligen Extravaganzen; Yayoi Kusama wegen ihrer farbenfrohen Welt aus Punkten und Tupfen; Remedios Varo wegen ihrer magischen, traumhaften Welt; Sonia Delaunay wegen ihres strahlenden, farbigen Orphismus; Louise Bourgeois wegen der Kraft ihrer Skulptur mit ihren hoch aufragenden Spinnen, Töchtern von Dalís Traumelefanten; Hilma af Klint, eine überraschende Schwedin mit ihrer abstrakten Kunst von großer ornamentaler Schönheit; Maria Helena Vieira da Silva wegen ihrer Eleganz und Raffinesse in der Abstraktion; und die überraschende Chilenin Violeta Parra, eher als Sängerin bekannt, die ebenfalls malte und ausstellte und deren Werk heute in ihrem Museum in Santiago zu sehen ist: eine Malerei zwischen Naivität und herbem Expressionismus …
… Und so könnten wir fortfahren, Künstlerin für Künstlerin, durch die rund dreißig Bilder, die Terán im Ateneo de Madrid zeigt und später als Wanderausstellung an anderen Orten präsentieren wird.
Künstlerinnen, Malerinnen, die meisten aus einer Gegenwart mehrerer Jahrhunderte, wenn man dieses Paradox als scheinbaren Widerspruch gelten lässt. Kunst, die bleibt, wird klassisch, universell. In der Kunst gibt es keine Entwicklung wie in der Wissenschaft, sondern Metamorphose, pflegte der Schweizer Meister, der Architekt Alberto Sartoris, zu sagen. Wer würde behaupten, Picasso sei Velázquez überlegen, nur weil er später geboren wurde? Das ist nicht möglich; zwischen der Kunst des einen und des anderen gab es nur eine Metamorphose der Form, der Ästhetik, der Materialien …, doch beider Kunst ist klassisch im Sinne von bleibend und universell, gültig für alle Zeiten und alle Männer und Frauen, vor allem jene der Kunst.
Ebenso verhält es sich mit den von Terán ausgewählten Malerinnen. Was ist zwischen seiner ersten Ausstellung über die Genies und der jetzigen über die weiblichen Genies geschehen? Zweifellos ein aufmerksamer Blick, ein gerechtes Gleichgewicht, eine notwendige Parität, in diesem Fall von einem männlichen Künstler geleitet. Die beiden Kataloge „Tributo a los Genios“ und „Tributo a las Genias“ sind heute ohne Zweifel Nachschlagewerke: Genies mit großem G, wie ihre Werke es verdienen, und durch diese Werke kennen wir sie alle.
Und nicht nur das. Terán wollte, dass die Katalogtexte diesmal von Frauen verfasst werden, damit wir unsere eigenen Überlegungen aus demselben Raum heraus darlegen wie die Männer, mit denen wir Welt, Leben und Dasein teilen.
Eine angesehene Linie
Vorweg sei gesagt, dass Terán heute einer der gefragtesten realistischen Maler im Kunstbetrieb ist. Seine Meisterschaft in Zeichnung und Farbe und sein guter Geschmack machen ihn zu einem gesuchten Porträtisten. Der bildende Künstler gehört zur fruchtbaren Linie chilenischer Maler in Spanien, an deren Spitze der große Claudio Bravo steht, den ich kennen, erleben und bewundern durfte. Kürzlich habe ich ein Porträt dieses Künstlers in meinem Buch „Historias y personajes del Norte de África II“ (1) veröffentlicht. Dieser meisterhafte „chilenische“ Realismus zeigt sich in den Porträts von Malerinnen, die Terán jetzt vorstellt: Jede erscheint, wie es die Tradition will, mit ihrem Gesicht oder ihrem kennzeichnenden Attribut, sei es eine Rose oder ein Gegenstand – eine Tradition, die auf die griechisch-römische Antike zurückgeht. Jeder Gott, jede Göttin, jeder Held oder jede Nymphe hat in der Ikonografie ein kennzeichnendes Attribut, ebenso die christlichen Heiligen.
Die Serien der Genies und der weiblichen Genies bilden in jedem Fall eine schöne Galerie von Porträts, jener Gattung, die in der Vergangenheit mitunter als „Brotgattung der Künstler“ abgewertet wurde. Hier handelt es sich nicht um Aufträge, sondern um eine freie Würdigung der Meister und Meisterinnen, die dem Künstler vorausgingen. Man hat gesagt, die spanische Malerei sei ohne das Porträt nicht zu verstehen und das Prado-Museum sei dessen Gipfel, angefangen bei Velázquez’ Las Meninas. Das Porträt ist die lebendigste und beunruhigendste aller Naturen: Die menschliche Gestalt, das Gesicht, spricht uns mit seinem Blick an. In Teráns Porträts von Malerinnen erscheinen diese standhaft und selbstsicher, sicher ihrer Kunst, die ihre Art war oder ist, in der Welt zu sein und zu bleiben. Die National Portrait Gallery in London widmet ihr gesamtes Gebäude dem Porträt als Gattung schlechthin, in allen denkbaren Medien. Im Vereinigten Königreich ist das Porträt so wichtig, dass jede Ausfuhr eines Porträts genau geprüft wird, weil sie eine Ausfuhrgenehmigung erfordert; kein Porträt von Bedeutung für die Geschichte des Landes soll es verlassen.
Die „Genias“, die von Terán ausgewählten Künstlerinnen, haben gesellschaftliche und kritische Anerkennung ihres Werks erfahren. Sie sind in Museen und/oder bedeutende Kunstsammlungen gelangt und können sich nicht beklagen wie das feministische Kollektiv der Guerrilla Girls, das in den Achtzigerjahren mit Guerillataktik blitzartige Aktionen im Metropolitan Museum durchführte, mit seinem berühmten Ruf und Slogan: „Do women have to be naked to get into the Met. Museum? Less than 5% of the artists in the Modern Art sections are women, but 85% of the nudes are female.“ (Müssen Frauen nackt sein, um ins Metropolitan Museum zu kommen? Weniger als 5 % der Künstler in den Abteilungen für moderne Kunst sind Frauen, aber 85 % der Akte sind weiblich.) Mit dieser Taktik schneller Auftritte vermummter Frauen mit Gorillamasken prangerten sie die Diskriminierung von Frauen in der Kunst an, und zwar nicht nur in der bildenden Kunst, sondern auch in Literatur und Theater. Die Plakate, Flugblätter und Texte der Guerrilla Girls wurden im MoMA in New York und vielen weiteren Museen ausgestellt. Ohne Einforderung keine Präsenz. Die amerikanischen Feministinnen wissen viel darüber und setzen es wirkungsvoll um. Sie folgten wörtlich dem Satz der französischen Schriftstellerin Simone de Beauvoir: „Feminismus ist eine Art, individuell zu leben und kollektiv zu kämpfen.“ (Ich möchte festhalten, dass mein Feminismus die Verteidigung der Menschenrechte in Gleichheit mit den Männern ist, weit entfernt vom radikalen Feminismus der Beweislastumkehr oder der Parität um jeden Preis, neben anderen Übertreibungen.) Emma Watson drückte es kühn aus: „Frauen haben das Gefühl, eine Erlaubnis zu brauchen, um Dinge zu tun. Wir müssen führen, die Zügel in die Hand nehmen und das ändern.“ Oder Margaret Atwoods Rat: „Wenn wir eine gerechtere Welt wollen, müssen wir für eine gerechtere Welt für alle eintreten.“ Und Camilla Läckberg brachte es auf den Punkt: „Einer der Gründe, warum Männer die Macht haben, ist, dass sie viel besser als wir darin sind, Bündnisse zu schließen.“ Fazit: Wir müssen auf diesem Gebiet, in Gruppen und Verbänden, aufwachen.
Das berühmte National Museum of Women in the Arts (NMWA), 1981 in Washington von der Sammlerin Wilhelmina Holladay gegründet, war ein Meilenstein des 20. Jahrhunderts in dieser Anerkennung der Frauen in der Kunst. Sein erklärtes Ziel war die „Würdigung der Leistungen von Frauen in der bildenden, darstellenden und literarischen Kunst“. Wilhelmina und ihr Mann Wallace bemerkten, dass den großen Museen Frauennamen fehlten, und beschlossen, eines zu gründen, um sie hervorzuheben. Wilhelmina sagte, die Kunst der Frauen sei in den Museen ebenso verborgen wie die der amerikanischen Ureinwohner. Ihr „Damaskuserlebnis“, ihre Erkenntnis dieses Schweigens, hatte sie beim Anblick eines Bildes von Clara Peeters (1580–1621) in Museen wie dem Kunsthistorischen Museum in Wien oder dem Prado in Madrid: eine hervorragende Malerin, die in den Kunstgeschichtsbüchern dennoch nicht gleichrangig mit ihren männlichen Kollegen der flämischen Malerei erschien, und auch nicht in Schulbüchern. Etwas stimmte nicht.
Nicht, dass Künstlerinnen ein Ghetto für ihr Werk wollten, aber das Museum in Washington war ein großer Weckruf für ihre Präsenz in Museen und in der Geschichte.
Nach und nach sind Museen und öffentliche Sammlungen mit Frauennamen entstanden, was sehr erfreulich ist, weil es eine Parallele zu den Museen und Sammlungen mit Männernamen herstellt. Nennen wir einige der wenigen Beispiele von Künstlerinnen wie Maria Helena Vieira da Silva, Graça Morais oder Paula Rego in Portugal. In Spanien gibt es die Museen der Malerin Mayte Spínola in Marmolejo (Jaén) und der Baronin Carmen Thyssen-Bornemisza als Sammlerin in Málaga, Madrid und Andorra. Violeta Parra, ebenfalls bildende Künstlerin, hat ein großes Museum in Santiago de Chile, das ihr gesamtes Werk umfasst. Joan Miró war so feinfühlig, den Namen seiner Frau Pilar Juncosa neben seinen eigenen auf die Stiftung und das Museum auf Mallorca zu setzen, denn wir dürfen das Sprichwort nicht vergessen, dass hinter jedem großen Mann eine große Frau steht, die ihn unterstützt und stärkt. Cherchez la femme, sagen die Franzosen.
Den Künstlerinnen der Vergangenheit tut von Zeit zu Zeit ein Revival vor dem Publikum gut, und Terán hat es ihnen mit dieser Ausstellung „Tributo a las Genias“ verschafft, die sie in der Gegenwart wieder zum Klingen bringt und in der Unmittelbarkeit einer Ausstellung sichtbar macht, die uns daran erinnert, dass Kunst zugleich Ästhetik und Denken ist, Schönheit und Kommunikation – getreu der Behauptung, dass Bilder dieselben Rechte beanspruchen wie die Sprache.
Man muss wissen und anerkennen, dass Museen, zumindest die öffentlichen, heute der Kunst von Frauen mehr Aufmerksamkeit schenken. Sie reservieren Termine wie den März für sie oder achten stärker auf den Anteil von Ausstellungen oder Ankäufen, um die Präsenz von Künstlern und Künstlerinnen auszugleichen. Seltsam ist, wie diese neue Haltung bei manchen Männern eine neue Frauenfeindlichkeit hervorruft. Schade! Wie gesagt, ich halte nichts von Parität um jeden Preis, aber man muss sich fragen, wenn die Zahlen weit davon entfernt sind, warum Künstlerinnen nicht einen ähnlichen Raum einnehmen wie Künstler – oder umgekehrt, wenn es sich umgekehrt verhielte. Die amerikanische Essayistin Siri Hustvedt beschrieb die Lage deutlich: „Ich halte es für dringend, sich mit der fortbestehenden Misogynie auseinanderzusetzen und damit, wie sie mit Fragen von Klasse, Geschlecht und Hautfarbe zusammenwirkt.“ Kultur, Literatur und Kunst im Allgemeinen können dabei ein Schlüsselelement sein, denn sie existieren nicht außerhalb der Philosophie oder der Ideengeschichte.
Fazit
Was steht hinter dieser Ausstellung Teráns? Der Wunsch, die schöpferische und kreative Frau hervorzuheben, die Frauen, die in der Kunstgeschichte unübersehbare Meisterschaft hinterlassen haben, die wie eine Nabelschnur alle nachfolgenden Künstler nährt. Eine Ausstellung, die die Vielfalt der Namen, Stile und Herkunft betont und damit zeigt, dass die künstlerische Intelligenz der Frauen keine Grenzen kennt.
Mit seinen schönen, kraftvollen Porträts und Anspielungen auf ihre Malerei hat Terán den Künstlerinnen Anerkennung, Widerhall und eine erneuerte Präsenz verschafft, die fortdauern wird. Hinter dieser weiblichen Bildpräsenz stand keine Bitte, keine Forderung, kein Anspruch, sondern der entschiedene Wille eines Malers, die Bedeutung der Künstlerinnen hervorzuheben, die ihre Spuren in der Kunstgeschichte hinterlassen haben – eine Lehre und eine Ästhetik, aus der alle schöpfen und an der wir uns weiterhin erfreuen.
Julia Sáez-Angulo
Internationaler Kunstkritikerverband
Anmerkungen
1. Sáez-Angulo, Julia: Historias y personajes del Norte de África; Editorial Espacio Cultura, A Coruña, 2021.
2. Guerrilla Girls. The Guerrilla Girls’ Bedside Companion to the History of Western Art. London: Penguin, 1998.
